Hoewel Mademoiselle Bon Plan het blog is van een Parijse in hart en nieren, aarzelen we niet om onze benen ook eens buiten de hoofdstad te strekken.

Deze maand neem ik je mee naar Nantes voor een ontmoeting met de kunstenaar Claude Viallat uit Nîmes. Daarna gaan we richting Nogent-sur-Marne om het werk van een jonge Thaise kunstenaar te ontdekken. Vanaf daar reizen we door naar Beauvais, waar een tentoonstelling plaatsvindt over een miskende Franse schilder uit het interbellum. Vervolgens neem ik je mee naar een voormalige cisterciënzerabdij in de Val-d’Oise, die is omgebouwd tot een locatie voor hedendaagse kunst. Tot slot keren we terug naar Parijs, met een tentoonstelling over graffiti en een aankondiging van een festival uit Montreal dat voor het eerst naar de Cité de la Mode et du Design komt.

Kortom, dit bericht is niet alleen een manier om onze culturele favorieten met je te delen, maar ook een uitstekende gelegenheid om je aardrijkskunde op te frissen.

_

Claude Viallat in het Musée des beaux-arts de Nantes

Van de ene havenstad naar de andere… Tijdens de Biënnale van Venetië in 1988 koos Claude Viallat zeilen als ondergrond voor zijn kunstwerken. Zo’n dertig jaar eerder, in 1965, creëerde hij La Vague, een eerbetoon aan Matisse. De Rhône, de Camargue en de Middellandse Zee zijn omgevingen die de kunstenaar goed kent en waaruit hij verzamelt wat ze uitspuwen: drijfhout, touwen, netten.

Het is dan ook heel logisch dat het Musée des beaux-arts de Nantes, dat overigens twee werken van Claude Viallat in zijn collectie heeft, zich op het thema van de zee heeft gericht. Zeilen, touwen, netten, parasols… de tentoonstelling brengt zo’n dertig werken uit de periode 1965 tot 2015 samen.

Claude Viallat neemt de ruimte van de chapelle de l’Oratoire in, die sinds de jaren 1990 is omgebouwd tot tentoonstellingsruimte. Een gigantisch zeil diagonaal geplaatst, bekroond met een net, twee verticale lijnen: de grote lijnen zijn uitgezet.

De objecten in driehoeksformatie trekken de aandacht. De kunstenaar nodigt ons ook uit voor een dialoog met de decoratieve elementen van de kapel.

Op de muren heeft Viallat niet-opgespannen zeilen/doeken geplaatst, bevrijd van hun frame, opgehangen met zo min mogelijk bevestigingen om ze vrij te laten ontvouwen. We ontdekken ook netten, hoepels en parasols.

Touwen en knopen liggen op de stenen vloer. Het enige werk in de tentoonstelling dat op een frame is geplaatst, is La Vague, een eerbetoon aan Matisse, een van zijn meesters naast Picasso en Chabaud.

De kunstenaar maakte dit in 1965, een jaar voordat hij zijn “systeem” introduceerde: een vorm van een enkelbeentje die hij sindsdien in al zijn werken herhaalt en die hem veel vrijheid laat om met kleuren te experimenteren.

In zijn atelier in Nîmes aarzelt Claude Viallat niet om op zijn gigantische doeken te lopen die op de grond liggen. “Ik wil niets en ik accepteer alles,” zegt hij graag, hij die nooit terugkomt op zijn werken.

Als kind keek hij hoe de boten werden vastgemeerd. Vandaar ongetwijfeld zijn interesse in kruispunten van beschavingen zoals de knoop, de boog of de pijl. De ondergronden waarop de kunstenaar werkt zijn gevarieerd.

Het zijn objecten die hij recyclet of die hem worden gegeven, zoals deze joert waarvan hij nog niet weet wat hij ermee moet doen. Nieuwe ondergronden die evenzoveel nieuwe mogelijkheden bieden aan deze nieuwsgierige kunstenaar die elke dag drie of vier doeken schildert.

In Nantes levert Claude Viallat een unieke installatie en verandert hij de chapelle de l’Oratoire in een schip met zijn zeilen wapperend in de wind. Klaar om in te schepen?

Tentoonstelling Claude Viallat – Zeilen, touwen, netten, parasols…
Tot 17 mei 2015

Chapelle de l'Oratoire
Nantes

Dagelijks geopend behalve dinsdag van 10.00 tot 18.00 uur
Koopavond op donderdag tot 20.00 uur

Regulier tarief 2€ - Gereduceerd tarief 1€
De tip: Gratis op donderdag van 18.00 tot 20.00 uur en de 1e zondag van de maand

_

Mongkut van Arin Rungjang in de Maison d’Art Bernard Anthonioz

Of het verhaal van een koninklijke kroon in drie aktes met epiloog. De achtste editie van het Satellite-programma van het Jeu de Paume brengt vier Aziatische kunstenaars samen, waaronder Arin Rungjang. Deze Thaise kunstenaar, geboren in 1975 in Bangkok, presenteert in de Maison d’Art Bernard Anthonioz in Nogent-sur-Marne een werk getiteld Mongkut, bestaande uit twee video’s en een installatie.

De kroon is die van Rama IV, de vierde koning van Siam (1804-1868), ook wel koning Mongkut genoemd, wat “kroon” betekent in het Thais. Destijds liet de vorst twee kopieën van zijn koninklijke hoofddeksel maken om die aan Groot-Brittannië en Frankrijk aan te bieden als diplomatieke geschenken. Het is dit onschatbare geschenk dat, zo wordt gezegd, de relatieve onafhankelijkheid van het koninkrijk Siam zou hebben behouden.

Als heilig beschouwd, was het origineel niet zichtbaar voor zijn onderdanen en is dat ook vandaag de dag niet voor het grote publiek. Ook het bestaan van twee replica’s in het buitenland werd lang geheim gehouden in Thailand. Om de kroon te zien, ging Arin Rungjang naar het museum voor Chinese kunst in Fontainebleau, de zetel van de replica die in 1861 aan keizer Napoleon III werd geschonken.

Dit is het onderwerp van zijn eerste video. Een jongeman dwaalt alleen door de zalen van het museum terwijl een voice-over ons een verslag geeft van de geschiedenis van de Frans-Siamese betrekkingen en een presentatie van de kroon.

Eenmaal bij de replica aangekomen, begint de jongeman deze te digitaliseren met een draagbare 3D-scanner. Doel: een kopie van de replica maken.

Dit werk vertrouwt Arin Rungjang toe aan een jonge vrouw, wier portret de tweede video vormt. Woralak Sooksawasdi na Ayutthaya is niemand minder dan de achter-achter-achter-kleindochter van koning Mongkut.

In deze video vertelt de jonge vrouw over haar grootvader, een ambachtelijke masker-maker. Je ziet haar aan het werk in haar atelier, te midden van haar instrumenten.

Het derde deel van de tentoonstelling presenteert het voltooide meesterwerk van Woralak Sooksawasdi na Ayutthaya.

Met deze tentoonstelling levert Arin Rungjang een boeiende en ironische reflectie op de status van het origineel en de kopie, waarbij hij de kijker bewust op het verkeerde been zet. Vanaf het begin werd de waarde van het geschenk aan Frankrijk al in twijfel getrokken. Ging het, zoals de legende wilde, om de kroon van de vader van de koning of om een simpele replica? Krijgt de replica die aan Napoleon III werd geschonken een nieuwe status doordat deze zelf weer wordt gekopieerd?

De kunstenaar draagt ook bij aan de discussie over de verhouding tussen traditie en moderniteit: hoewel de kopie van de replica is geproduceerd met behulp van een digitaal ontwerp, is deze gemaakt door een jonge vrouw die voortborduurt op traditionele familiekennis. Traditie en moderniteit staan hier niet tegenover elkaar, maar zijn complementair. En het is een ironische wending dat deze afstammelinge van ambachtslieden een kroon maakt voor een hedendaagse kunsttentoonstelling.

De status van het kunstwerk vormt eveneens de kern van de reflectie van de kunstenaar: waar de kopie van de kroon in de tentoonstelling door de bezoeker wordt gezien als een installatie van hedendaagse kunst, zou deze in Thailand als bijna heiligschennis worden beschouwd en daardoor onmogelijk te exposeren zijn.

Via de geschiedenis van de koninklijke kroon van Siam bevraagt Arin Rungjang tot slot de soms ambigue relaties tussen het Westen en Thailand door de geschiedenis heen. Was de schenking van de twee replica’s in de 19e eeuw aan koningin Victoria en keizer Napoleon III werkelijk een daad van trouw van de koning van Siam aan de westerse koloniale mogendheden?

Met Mongkut stelt Arin Rungjang ons talloze vragen over onze verhouding als westerlingen tot de rest van de wereld. Hij nodigt ons uit voor een reis vol heen-en-weer tussen Thailand en Frankrijk door verschillende tijdperken en werelden heen.

Epiloog: de replica van de koninklijke kroon die in Fontainebleau werd bewaard, werd op 1 maart jl. gestolen, samen met een vijftiental andere objecten. Net als het origineel van de koning van Siam, onttrekt de replica die aan Napoleon III werd geschonken zich nu aan het oog, waardoor de door Arin Rungjang bestelde kopie de draad van het verhaal weer oppakt…

Mongkut van Arin Rungjang
Tot 17 mei 2015

Maison d’Art Bernard Anthonioz
16, rue Charles VII - Nogent-sur-Marne

Open voor publiek, doordeweeks van 13:00 tot 18:00 uur, zaterdagen en zondagen van 12:00 tot 
18:00 uur / gesloten op dinsdagen en feestdagen
De goede tip: de toegang is gratis

_

Amédée de la Patellière, les Éclats de l’ombre in het Mudo-Musée de l’Oise

Na jaren van werkzaamheden heropent het Mudo-Musée de l’Oise zijn deuren om ons een geweldige tentoonstelling aan te bieden over een minder bekende Franse schilder, gepresenteerd in het poorthuis en de 18e-eeuwse vleugel. Deze schilder is Amédée de la Patellière.

Amédée de La Patellière werd in 1890 geboren in de buurt van Nantes. Hij was net aan zijn carrière begonnen toen de Eerste Wereldoorlog uitbrak. De jonge man maakte deel uit van deze opgeofferde generatie; hij werd pas in 1919 gedemobiliseerd en stierf in 1932 aan bloedvergiftiging, waarschijnlijk door complicaties van een slecht genezen oorlogswond. Aan het front beeldde de schilder het strijdgewoel nooit direct uit.

De soldaten worden afgebeeld tijdens hun rustmomenten, vaak van achteren, bijvoorbeeld wanneer ze kaarten. De verwoestingen van de Eerste Wereldoorlog zijn echter wel zichtbaar in zijn zeer ontroerende aquarellen van dode bomen, verminkt door granaten. Het geweld, dat de schilder op afstand houdt, duikt op in de zachtheid van deze vervaagde tinten.

Na de oorlog pakte Amédée de La Patellière de grote composities weer op die hij was begonnen te verkennen. Zijn zeer gestructureerde schilderijen combineren realistische en geometrische elementen – onder invloed van de kubisten.

De schilder keert terug naar de natuur, die hem zo dierbaar is. Zijn persoonlijke palet bestaat uit bruintinten en een prachtig smaragdgroen dat steeds dominanter wordt. Een koe hier, een paard daar… dieren zijn alomtegenwoordig in zijn werk, als getuigenis van de verbondenheid van de kunstenaar (die ook ruiter was) met dieren.

In 1928 schilderde Amédée de La Patellière “Baigneuses à Bandol”. Het onderwerp past perfect bij de tijdsgeest; het was de tijd van vakanties aan zee.

Het zo kenmerkende smaragdgroen uit zijn vroege werken komt magistraal naar voren in deze compositie, opgebouwd uit horizontale vlakken. De badsters lopen het water in, en je zou je bijna bij hen willen voegen.

Amédée de La Patellière is echter niet alleen een aards schilder. Onirisme (droomwerelden) doordringt sommige van zijn werken. “La Conversation dans l’atelier”, een werk uit 1927, toont een vreemde, bijna onheilspellende scène.

Het is inderdaad een vreemd gesprek dat de schilder weergeeft, aangezien de drie vrouwen die zich aftekenen tegen een dieprode achtergrond, zwijgen. De kleuren zijn gedempt. Toch is er licht aanwezig, gereflecteerd door de sieraden van de dames, ringen en oorbellen.

Tijdens zijn carrière heeft Amédée de La Patellière weinig zelfportretten gemaakt. Is “Le Philosophe à la bouteille” een weergave van hemzelf in vermomming? Dat is in ieder geval wat zijn vriend Giono beweerde, voor wie Amédée de La Patellière zijn eerste roman, “Colline”, had geïllustreerd.

We weten niet of het personage met het gezicht verborgen achter een hoed slaapt… De uil lijkt over de scène te waken. Door naar het schilderij te kijken, voel je je bijna weggevoerd voorbij de afgebeelde scène. « Schilderkunst is de kunst om de natuur naar het spirituele vlak te tillen, met louter plastische middelen », zei de kunstenaar. Dat is precies wat je voelt.

Amédée de La Patellière, een onafhankelijke schilder die gedurende zijn hele carrière zijn eigen pad heeft bewandeld, opent een raam naar een andere dimensie en neemt ons mee naar de verte, met zijn dieren, ver weg van het lawaai en de woede van de oorlog, in alle rust.

Na de tentoonstelling over Amédée de La Patellière zou het zonde zijn om niet naar de zolder van het museum te klimmen om “Axis Mundi”, een werk van Charles Sandison, een Britse beeldend kunstenaar, te ontdekken. De plek zelf prikkelt de creatieve inspiratie: 500 vierkante meter ruimte onder een 16e-eeuwse dakconstructie met een hoogte van bijna 15 meter.

In de duistere ruimte ontdekken we bewegende woorden, geprojecteerd op de vloer, de balken en de muren door 16 computers. Deze woorden hebben een link met de geschiedenis van het paleis en het museum. Er is bijvoorbeeld een 15e-eeuws gedicht van Jehan Regnier, die gevangen werd gehouden in afwachting van losgeld in de toren Beauvisage van het bisschoppelijk paleis, en die gedichten schreef die verzameld zijn onder de naam “Fortunes et adversités”.

Met zijn werk laat Charles Sandison fragmenten uit het geheugen van deze beladen plek zien, een deel van zijn mentale beeld. In de religie is de axis mundi de as waaromheen de wereld draait, de kosmische as, maar ook de verbinding tussen Hemel en Aarde.

Met “Axis Mundi” wordt de zolder van het museum een brug tussen twee werelden, een schakel tussen de aardse en spirituele dimensies, een briljant en zintuiglijk bewijs dat cultuur, als je er nog aan twijfelde, onze ziel verheft.

Het museum biedt ook een zeer interessante permanente collectie, met een 19e-eeuwse collectie. Alfred Sisley, Corot en Ingres wachten op je, evenals “L’enrôlement des volontaires” van Thomas Couture, het grootste doek van het museum, oorspronkelijk bedoeld om de Assemblée nationale te decoreren.

Let op: een interactieve tafel met verschillende applicaties (puzzel, tijdlijn, enz.) stelt bezoekers van alle leeftijden in staat om het bezoek te verlengen. De 20e-eeuwse collectie zou over een paar jaar voor het publiek open moeten gaan.

Amédée de la Patellière, les Éclats de l’ombre
Tot 30 juni 2015

Axis Mundi door Charles Sandison
Tot 30 september 2015
 
Mudo-Musée de l'Oise
Beauvais

Elke dag van 11.00 tot 18.00 uur behalve op dinsdag en bepaalde feestdagen: Tweede Paasdag, 
vrijdag 1 mei, Tweede Pinksterdag, woensdag 11 november
De tip: de toegang is gratis en het is de gelegenheid om, op een steenworp afstand van het 
museum, de kathedraal van Beauvais te ontdekken

Met de auto naar het museum
Het MUDO - Musée de l'Oise ligt op 1 uur van Parijs en is goed bereikbaar via de grote wegen: de A16 of de RN1 vanuit de hoofdstad, de A16 vanuit Amiens, de RN 31 vanuit Rouen of de A16 en A1 vanuit Lille

Met het openbaar vervoer naar het museum
Het treinstation (SNCF) ligt op 15 minuten lopen van het museum door het stadscentrum te doorkruisen
 
Er zijn buslijnen naar het centrum en taxi's bij het station
Lijnen 2-3-4-5-6-9: halte kathedraal

_

Een andere droom van Ken en Julia Yonetani in de abdij van Maubuisson

Maubuisson is geen alledaagse plek. Het is oorspronkelijk een cisterciënzerabdij voor vrouwen, gesticht in 1236 door Blanca van Castilië. In 1793, na de Revolutie, werd de plek leeggehaald na de verkoop als nationaal goed. In de 19e eeuw werd het gebruikt als steengroeve.

Resultaat: driekwart van de gebouwen is afgebroken. De site is aangekocht door de Algemene Raad van Val d’Oise en herbergt sinds 2004 twee monografische tentoonstellingen per jaar. Aan het hoofd van dit kleine, zeer dynamische team staat Isabelle Gabach, die enthousiast is over het werk van twee in Tokio geboren kunstenaars, Ken en Julia Yonetani. Ze nam contact met hen op, zij ontdekten de site en het was wederzijdse liefde op het eerste gezicht.

De stenen plek, geladen met geschiedenis, met hoge plafonds en kruisgewelven, is het ideale decor voor een sprookje. Maar het verhaal dat Ken en Julia Yonetani ons vertellen, is, ook al zijn hun beelden prachtig, huiveringwekkend.

Een prachtige kroonluchter verwelkomt de bezoekers in de hal… “Grape Chandelier” bestaat uit meer dan 5.000 druiven van zout. In 2010 verbleef het Japanse duo in een Australische tuinbouwregio die te maken had met een verzilting van de bodem als gevolg van overmatige irrigatie.

Het is bedoeld om dit ecologische probleem onder de aandacht te brengen

die beide kunstenaars sindsdien in zoutsculpturen verwerken. De techniek is beproefd: het gaat om drie verschillende soorten zout, samengeperst in siliconen mallen. De druivenkorrels van de kroonluchter zijn dus weliswaar prachtig, maar absoluut niet eetbaar. De oogst is behoorlijk bitter… Zou de kroonluchter van het echtpaar Yonetani ons de ogen kunnen openen en de mensheid weer tot inkeer kunnen brengen?

In de spreekkamer hebben de kunstenaars vijf zoutkaders aan de muren gehangen, gemaakt met dezelfde techniek als de kroonluchter. “The Five Senses” verwijst naar de “Allegorieën van de vijf zintuigen”, een serie van vijf schilderijen die de vrouwelijke personificaties van de zintuigen voorstellen, geschilderd door Jan Brueghel de Oude en Peter Paul Rubens in 1617 en 1618.

Men kan hierin allereerst een knipoog zien van het Japanse kunstenaarsduo naar twee andere kunstenaars die in hun tijd samenwerkten. Maar hier omlijsten de kaders niets. De vijf zintuigen zijn verdwenen. Er blijft slechts een leegte over, misschien gecreëerd door het zout zelf, dat immers alles verwoest. Om deze leegte te vullen, kunnen we een beroep doen op ons zesde zintuig, de verbeelding, maar dat is een magere troost.

Met “The Last Supper” (Het Laatste Avondmaal), gemaakt voor de kapittelzaal, nodigen Ken en Julia Yonetani ons uit voor een vreemd banket. De verwijzing naar de kunstgeschiedenis en in het bijzonder naar het Laatste Avondmaal van Leonardo da Vinci is direct. Op de langwerpige zouttafel is een feestmaal uitgestald, ook gemaakt van zout: zoutvaatjes (13 stuks, het getal is niet toevallig), brood, druiven, oesters, croissants…

Men is aanvankelijk gegrepen door de schoonheid van de sculptuur, maar de fascinatie maakt al snel plaats voor onbehagen. De overvloed wordt verontrustend, evenals de witheid van het voedsel, geaccentueerd door het kunstlicht. Dit voedsel heeft niets natuurlijks meer, het is zijn smaak verloren.

Met dit werk bevragen de kunstenaars onze consumptie- en verspillingsmaatschappij. We denken ook aan Tsjernobyl, aan Fukushima. Het banket van de Yonetani’s zou zomaar het “laatste avondmaal” kunnen voorafschaduwen dat de mensheid geserveerd krijgt voor haar ondergang.

In de nonnenzaal wacht ons “Crystal Palace“, genoemd naar het grandioze glazen gebouw ontworpen voor de Wereldtentoonstelling van Londen in 1851, dat in 1936 afbrandde. De zaal is gehuld in duisternis. Aan het plafond hangen fluorescerende kroonluchters. De indruk is verbijsterend. Elke kroonluchter, samengesteld uit uraniumkralen, vertegenwoordigt een land dat elektriciteit opwekt uit kernenergie. Hoe groter de productie, hoe groter de kroonluchter. Frankrijk staat er goed op.

Ken en Julia Yonetani geven hier een zeer persoonlijke illustratie van de blinde vlucht vooruit van de mensheid, die zich weinig zorgen maakt over de lange termijn, en laten een sinister einde voorafschaduwen, zoals de titel van het werk suggereert.

“Three wishes” (“Drie wensen”) doet niets om ons gerust te stellen. Het is een kleine speeldoos die “It’s a small world” speelt, gecomponeerd voor het Paviljoen van de kinderen van de wereld. Dit was een attractie gemaakt door Disney met UNICEF in 1964 voor de Wereldtentoonstelling van New York. In die tijd zag men in het atoom een schone en veilige energiebron.

Een paar jaar eerder prees Disney de verdiensten ervan in een boek getiteld “Ons vriendje het atoom”. Een prachtig sprookje voor kleine kinderen… De binnenkant van de speeldoos bevat een klein vrouwelijk figuurtje, een soort Tinkelbel.

Maar helaas, de vleugels van deze fee zijn in werkelijkheid die van een opgezette vlinder waarvan het ei niet ver van Fukushima werd verzameld, in het kader van een wetenschappelijk onderzoek. Dit onderzoek toonde aan dat de bestraalde vlinders misvormingen en genetische mutaties vertoonden. De kleine post-atomaire fee is behoorlijk gehavend… Via dit minuscule werk belichten Ken en Julia Yonetani de verwoestingen die kernenergie kan aanrichten.

Ironie of voorteken, de visie op de mensheid die Ken en Julia Yonetani bieden, eindigt in de oude latrines van de abdij. Een kroonluchter wordt daar tentoongesteld, die van Japan, aangezien de Japanse regering na het ongeluk in Fukushima alle kernreactoren had stilgelegd.

“Un autre rêve” (Een andere droom) van het duo Yonetani ontvouwt een nachtmerrie, doorspekt met beelden die de een nog mooier zijn dan de andere. Een nachtmerrie waarvan de mens de architect is en waaruit we maar wat graag wakker zouden willen worden, maar wellicht is het al te laat…

Un autre rêve
Tot 30 augustus 2015

Abbaye de Maubuisson
Site d’art contemporain du Conseil général du Val d’Oise
Avenue Richard de Tour
95310 Saint-Ouen l’Aumône

_

Le Pressionnisme in de Pinacothèque de Paris

Het Pressionnisme? Ja, u leest het goed. Niets te maken met het impressionisme, ook al is de gelijkenis in klank niet toevallig. Het is een veel recentere kunststroming, namelijk de graffiti-kunst, die veertig jaar geleden in de Verenigde Staten ontstond. De “druk” (pression) slaat op die van de spuitbus. De tentoonstelling presenteert bijna honderd werken, voornamelijk op doek gemaakt tussen de jaren 1970 en 1990.

De stroming ontstond in de Verenigde Staten waar vanaf 1972 graffitikunstenaars zich verenigden om in ateliers te creëren en hun werken in galerieën tentoon te stellen. De eerste protagonisten zijn onder andere Coco en Phase 2; graffitikunstenaars nemen gedurende hun carrière altijd een bijnaam aan, of zelfs meerdere.

Het is een van de verdiensten van de tentoonstelling: ons leren dat deze kunstenaars al heel vroeg de straat verlieten

, waar ze vandaag de dag nog steeds vaak mee worden vergeleken, zijn met elkaar verbonden en zullen gedurende de geschiedenis van de beweging voortdurend met elkaar in dialoog blijven, zich met elkaar meten en soms zelfs collectieve werken creëren.

Graffiti is een gekleurd oppervlak omringd door een lijn, niet te verwarren met een tag, wat slechts een simpele handtekening van de artiest in zwarte lijnen is. De kleur verkrijg je door middel van een spuitbus, wat lastiger te beheersen is dan het lijkt, aangezien er jarenlange oefening nodig is om met dit stedelijke penseel te werken.

Vier parameters spelen hierbij een rol: afstand, snelheid, de hoek van de spuitbus en de druk. De beheersing van de beweging van Phase 2 is ronduit indrukwekkend. Een groot verschil met traditionele schilderkunst is dat het onmogelijk is om kleuren te mengen. Ze worden niet gemengd, maar naast elkaar geplaatst.

De tentoonstelling illustreert de evolutie van de beweging. Gaandeweg zien we een complexer wordende belettering. Er ontwikkelen zich verschillende scholen. Tracy vindt de Wild Style uit, waarbij letters samensmelten en steeds meer richting abstractie neigen.

Grote namen passeren de revue: onder andere Andy Warhol, die Basquiat en Keith Haring “uit” de graffitiscene haalt. Er is slechts één vrouw aanwezig in de tentoonstelling: Lady Pink, met een zeer figuratieve stijl. We zijn teleurgesteld dat er maar één werk van haar wordt getoond.

In de jaren 80 introduceerde Bando, een Frans-Amerikaan, de graffitipraktijk in Frankrijk en nodigde Amerikaanse en Europese artiesten uit om samen te werken. Samenwerking, collectief werk, emulatie… de beweging nam dezelfde dynamieken aan als in de Verenigde Staten. De eerste Franse school ontstond.

Modeontwerpers, met Agnès B. voorop, toonden interesse en gaven hen extra zichtbaarheid. De ontwerpster leent overigens drie werken uit voor deze tentoonstelling. De tentoongestelde voorstudie-schetsen laten zien dat de werken het resultaat zijn van weloverwogen arbeid en geenszins spontaan zijn, zoals sommigen misschien zouden denken.

De tentoonstelling herinnert ons eraan dat deze beweging, die het grote publiek nog steeds als recent beschouwt, al lang bestaat en al geruime tijd in musea en galerieën wordt tentoongesteld. De eerste officiële Amerikaanse tentoonstelling dateert uit 1980, de eerste Europese, in Nederland, uit 1983.

De bezoeker is dus niet getuige van het begin van een beweging, maar van het begin van het vastleggen van haar geschiedenis – in ieder geval in Frankrijk. Tussen het enthousiasme van verzamelaars en storytelling in, hoeft de beweging, die inmiddels een respectabele naam heeft, niet te wachten op volledige erkenning door de instituten om haar plek op te eisen.

Tentoonstelling Le Pressionnisme, de meesterwerken van graffiti op canvas
Tot 13 september 2015

La Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine - 75008 Parijs

Reguliere prijs: 13 € - Gereduceerde prijs 11 €
Gereduceerde prijs: jongeren van 12 tot 25 jaar, studenten, werkzoekenden, Maison des artistes, 
gidsen, Pinacopass-begeleiders
Gratis toegang: kinderen onder de 12 jaar, houders van een invaliditeitskaart, begeleiders van 
invalide personen, ontvangers van RSA, ASS, ASPA, gidsen en docenten 
met een groepsreservering, journalisten, ICOM

_

Het Festival Chromatic in Parijs

Dit Montreal-festival komt voor het eerst naar Parijs in de Cité de la Mode et du Design van 2 tot 4 april 2015.

Gedurende 3 dagen brengt dit multidisciplinaire festival meer dan honderd hedendaagse artiesten samen die hun werken presenteren rond het thema “Colors”. Daarnaast vindt er een reeks concerten plaats tijdens de Nuit Chromatic op donderdag 2 april en kan het publiek kennismaken met zeefdrukken of zich zelfs laten tatoeëren.

Het festival is opgebouwd rond drie hoogtepunten:

• La Nuit Chromatic: een onmisbaar Art Party-evenement dat de nieuwe muziekscène uit Montreal en Parijs samenbrengt voor uitzonderlijke concerten, inclusief tatoeëerders en zeefdrukateliers.

• De Block Party Chromatic: een muzikale afspraak gericht op het promoten van street art met acht uur lang muziek, live street art en monumentale fotografie.

• Het Piknic Électronik Parijs en Puces Chromatic: de Piknic Électronik strijkt voor het eerst neer in Parijs, als onderdeel van Chromatic! Elektronische muziek, workshops, zeefdrukken en een grafische markt aangeboden door de Campus de la Fonderie de l’Image om met het hele gezin te ontdekken.

Cité de la Mode et du Design
34 Quai d'Austerlitz, 75013 Parijs

van 2 tot 4 april 2015

_

artikel geschreven door Sandrine en Melle Bon Plan